Planeta prohibido (1956)

La mini falda del espacio exterior

Un filólogo vive con su robot y su hija en un planeta hasta que llegan unos militares terrestres.

Planeta prohibido

Forbidden Planet

Dirigida por Fred M. Wilcox.
Inspirado en la obra La tempested, de William Shakespeare.
Estados Unidos. 1956. 98 minutos.

Ciencia ficción | Extraterrestres. Monstruos. Robots.

Una nave espacial terrestre llega a un planeta. Según dicen, vienen a relevar a una expedición científica que llegó años atrás a ese planeta (aunque la expedición actual es militar). El único superviviente de la expedición original les dice que no necesita nada y que gracias por pasarse a saludar.

En este hogar no nos interesa su Dios

Los militares quedan asombrados porque el tipo, filólogo de profesión, se ha construido un robot (Robby) que cocina, cose, construye y "crea" cosas: desde manzanas a botellas de whisky. 

Se le introduce el objeto por una ranura en el pecho, lo analiza en su laboratorio interno y lo "crea". No queda claro si lo crea con las pinzas robóticas o lo "expulsa" de su interior de alguna forma.

Pero más asombrados quedan los militares cuando aparece la juvenil hija (Altaira) y su minifalda.

Señor, venimos a hablarle de la falda de su hija.

El capitán llega a decirle a la chica "que se tape" porque no sabe si podrá controlar a su tropa de hombres encerrados durante un año en la nave. Y que tendrá que "ponerle guardias y luego guardias que vigilen a los primeros guardias". 

Todo esto ocupa buena parte de la película y no tiene demasiado interés.  Tampoco el enamoramiento de la chica y el capitán que es más falso que las naves espaciales.

Lo más interesante es que el filólogo ha estudiado diariamente y durante 2 décadas "la wikipedia" de una antigua civilización del planeta, los Krell.

Los Krell eran seres muy avanzados y dejaron allí unas máquina poderosas que se han reparado y engrasado y limpiado durante millones de años. 

El filólogo ha duplicado su capacidad mental y ha descifrado, pobremente dice, fragmentos de los conocimientos Krell (lo que le ha permitido construir un robot y arreglarse un jardín zen en un planeta desértico).

Todo lo que has conocido en tu vida, querida, ha sido destruido.

El robot Robby es amable y servicial. Y nunca tiene la actitud que parece "vendernos" el cartel promocional de la película. Años más tarde el robot Robby tiene un cameo en un episodio de la serie Perdidos en el espacio y ahí sí actúa de forma agresiva y peligrosa. 

* Alerta spoiler *

Los Krell fabricaron unas maquinas capaces de generar una energía tal que podía "crear" fuerzas más allá del conocimiento consciente. Es decir, que cuando la expedición original del planeta dijo: -Pues aquí no hay nada que ver, vayámonos todos a la Tierra de nuevo- el filólogo que ya había descubierto la "biblioteca Krell" creó -sin saberlo- un monstruo invisible que los mató a todos y así no tener que marcharse.

Años más tarde, cuando la expedición de relevo (todos militares  y un cocinero borrachín) aparece, el "monstruo" vuelve a aparecer para impedir que salven al filólogo y a su hija del monstruo que "hay" en el planeta.

Aunque claro, si el filólogo no quiere compartir el conocimiento Krell con los humanos (a los que considera no preparados) no tiene mucho sentido que les cuente sobre las máquinas que hay y lo poderosas que son. 

Corto Maltés: La balada del mar salado (2003)

El Rick Blaine de los mares del Sur

Adaptación animada de la primera historieta de Corto Maltés. 

Corto Maltés - La balada del mar salado 

Corto Maltese - La ballade de la mer salée

Dirigida por Richard Danto y Liam Saury.
Basada en el cómic de Hugo Pratt.
Francia. 2003. 90 minutos.

Animación. Aventuras | Cómic

El cómic de Hugo Pratt La balada del mar salado (1967) está ambientada en el océano Pacífico, en las islas de Melanesia, entre 1913-1915.

Un par de primos (de familia rica) han sido "rescatados" por el pirata Rasputín, con la intención de cobrar un rescate. Rasputín rescata del mar a otro pirata, medio colega medio rival, Corto Maltés. Juntos, secuestran un barco mercante cargado de carbón. Corto y Rasputín "trabajan" bajo las órdenes de El Monje. 

 

El Monje

El Monje controla el tráfico marítimo desde su isla secreta, La Escondida. Pacta alianzas, en un clima prebélico, con aquel que cree que más beneficios le reportará. Y mantiene un equilibrio de poderes con Rasputín, Corto o Cráneo, un indígena elevado a mano derecha de El Monje.

Todos se ellos se alían, se desprecian y se traicionan según les convenga. Y los primos ricos son una carga que pasa de mano en mano durante la historia.

Corto Maltés

Corto Maltés es un tipo malo-pero-bueno. Rudo pero, en el fondo, de buen corazón. Con su propio código y dispuesto a morir y a la vez, capaz de escapar de las batallas que no le interesan.

Un personaje que me recuerda a los roles habituales de Humphrey Bogart (en especial el Rick Blaine de Casablanca). Y que, como Bogart, suelta frases lapidarias cuando menos te lo esperas:

"La autoridad se tiene mientras no se está obligado a imponerla"

Ícaro (2017)

¡Pero bueno, aquí todos se drogan!

Un director de cine y ciclista amateur decide doparse para una carrera y filmar todo el proceso.

Ícaro

Ícaro

Dirigida por Bryan Fogel.
Estados Unidos. 2017. 120 minutos.

Documental | Documental deportivo

Bryan Fogel, ciclista amateur y cineasta, contacta con un señor ruso, ex atleta dopado y químico, que es jefe de unos laboratorios antidopaje de Rusia. El Sr. Rodchenkov le hace un planning “dopamínico” para mejorar su rendimiento y -o eso entendí yo- no dar positivo en los controles.

Bryan Fogel, tras medio año pinchándose, logra unos resultados deportivos peores que cuando fue a la carrera sin doparse. Y concluye que ni con 21 años y todo el EPO del mundo lograría él ganar el Tour de Francia.

Pero Lance Armstrong, dopado, logró 7 Tours.

Luego hay un giro en el documental y se destapa que Rusia dopa a sus atletas. Todos y en todos los juegos olímpicos, mundiales y otros eventos deportivos de alto nivel.

Rusia niega todo.

El jefe de la agencia antidopaje de Rusia fallece en extrañas circunstancias ¬_¬ y el Sr. Rodchenko, temiendo por su vida, huye a USA. Allí, junto al equipo del documental, aporta pruebas al NY Times y ante el Gran Jurado que la agencia sucesora de la KGB, es la que hace malabarismos con las muestras. Y que Rodchenkov informaba al viceministro de deportes, que a su vez informaba al ministro que informaba a Putin. 

El Sr. Rodchenko antes de ser testigo protegido

El COI veta a los atletas rusos pero luego hace marcha atrás.

Quedé con la impresión que el dopaje está tan extendido y llega hasta niveles tan altos en la pirámide política que “es mejor fingir que no está pasando nada”.

El Sr. Rodchenkov y el documental, citan fragmentos de “1984” de Orwell y su doble pensar. 

La leyenda del indomable (1967)

Jesucristo comiendo huevos

La inquebrantable voluntad de un preso mesiánico

La leyenda del indomable

Cool Hand Luke

Dirigida por Stuart Rosenberg.

Estados Unidos. 1967. 126 minutos.

Drama | Drama carcelario

Uno siente el CALOR desde el primer plano de la película, con esa cuerda de presos trabajando en los arcenes de una infinita carretera reflejado en las gafas de sol del guardia.

Luke es un ex soldado condecorado (y degradado) en Vietnam que ha sido condenado a dos años de trabajos forzados en la cárcel por decapitar unos parquímetros durante una borrachera.

Luke (Paul Newman) es un tipo que aparenta una gran indiferencia respecto a todo y a todos. En especial parece indiferente a las leyes y a la autoridad. Gracias a su carisma taciturno se convierte en la estrellita de la cuerda de presos. Y es capaz de hacer trabajar a sus compañeros mucho más rápido asfaltando la carretera, o de aceptar retos para pasar el rato. Como la célebre secuencia de comerse 50 huevos duros.

La película puede ser interpretada como una alegoría de la sociedad estadounidense de la época (protestas contra la guerra de Vietnam y el auge de los movimientos en pro de los derechos civiles). Luke se resiste de forma obstinada, y a la vez silenciosa, contra la autoridad. No encabeza revueltas, no suelta proclamas, no inicia revoluciones. Es un tipo que acepta lo que le viene y en su estoicismo, nos muestra las injusticias del entorno.

La crudeza del sistema penitenciario se muestra en momentos como cuando lo encierran "en la nevera" al fallecer su madre. Lo encierran para evitar que huya.

Y cuando luego huye y lo atrapan de vuelta, aniquilan su voluntad con la secuencia de "¿Qué hace tu tierra en mi zanja? / ¿Por qué tu tierra está fuera de la zanja?"

Pese a esos momentos de crueldad carcelaria, el clima general de buen rollete de los presos me resultó bastante cansino. Hasta parece provocar ganas de estar allí con ellos (un rarito).

Otra lectura de la película bien obvia (porque te lo plantan en la cara en varios momentos) es el paralelismo cristiano de Luke (Paul Newman) como un "Cristo moderno", un mesías que, aunque no pretenda salvar al mundo, sí representa la lucha por la libertad, la dignidad y la resistencia frente a las fuerzas opresivas.

Como Jesucristo, la leyenda de Luke perdurará más allá de su muerte y será transmitida por sus "apóstoles". Uno de los cuales (George Kennedy) es a la vez San Pedro, el converso, y Judas, el traidor.

A nuestro "Jesús Newman" lo capturan en una Iglesia, tras un monólogo con Dios. Es una reversión de la captura en el huerto de los olivos.

Por no hablar de la pose de Luke tumbado en la mesa tras el atracón de huevos que remite a la iconografía clásico del Cristo crucificado.

Otra lectura, sería la lectura gay...

Esos hombretones sudados, descamisados, apretujados en las celdas... 

En esta lectura gay, la escena de la pelea a puñetazos entre Paul Newman y George Kennedy ante el griterío de los demás presos y la indiferencia tácita de los carceleros, vendría a ser una violación homosexual.

El personaje de Kennedy es el macho alfa de la cárcel. El guapo novato, Paul Newman, viene a humedecer sus fantasías. Ocurre entonces la secuencia de los presos trabajando a pleno sol y la muchacha lavando el coche.

Momento playboy

Y tras ese calentón, la pelea en la que Luke intenta pegar pero no puede hacer nada ante el fuertote que, de inmediato, pasa a tratarlo sino ya como un hermano, o como su pareja...

Ya no se separan y su varonil amistad llega a su zenit cuando huyen juntos.

Hasta la traición y la detención final.

La maldad carcelaria reaparece al final. Cuando el tipo de las gafas de sol, harto ya de tener que ir a atrapar a Luke cada vez que éste intenta escapar, le dispara sin contemplaciones cuando Luke repite la célebre frasecilla del film:

"Lo que tenemos aquí, es un problema de comunicación"

Esa maldad aún se subraya más. Luke, malherido, no será llevado al hospital más cercano, sino al hospital de la cárcel. Con la esperanza velada que fallezca por el camino y acabemos ya con este tipo tan obstinado e "indomable".

Mariana, Mariana (1986)

El amor verdadero es solo el primero

Un chico enamorado de la madre de un amigo. Todo el entorno, corrompido, viene a ensuciarle la pureza.

Mariana, Mariana

Dirigida por Alberto Isaac.
Basada en la novela "Las Batallas en el desierto" de José Emilio Pacheco.
México. 1986. 105 minutos.

Drama | Años 40. Familia. Romance

En el México de 1948 Carlitos cae enamorado de Mariana, la madre de su compañero de clase Jim. Mariana es madre soltera, mantenida por un político que le trae regalos de Estados Unidos. La inocencia de la confesión amorosa de Carlitos se ve embrutecida por el entorno: la familia, la sociedad y la religión azotan con la culpa a Carlitos.

En casa: la doble moral del padre de Carlitos, la madre opresiva y un hermano "muy macho" que va asaltando a las criadas. Y la entrada de los electrodomésticos made in USA.

En clase: los chismes acerca de Jim y su madre soltera. El bullying hacia el diferente: a Jim por sus juguetes y meriendas estadounidenses. Y los clásico brotes racistas contra al asiático, o contra el indio...

En México todos somos indios, dice el profesor

Al enterarse de la confesión amorosa de Carlitos, sus padres lo llevan a los psicólogos (que no se ponen de acuerdo con los traumas freudianos y edípicos del chaval) y luego a confesar. Y será, irónicamente, el capellán que, con sus insidiosas preguntas, desvele el despertar sexual del chico.

Un retrato del México cambiante: El padre de Carlitos, un adulto que se esfuerza en aprender inglés, acabará teniendo que vender su fábrica y acabará trabajando de gerente para los nuevos propietarios, los gringos. Lo dice con orgullo. Hasta que su hijo le recuerda:

Pero ya no somos los propietarios de la fábrica

El coche de policía es el que provoca el atasco de tráfico

Y Mariana desaparece. Como tantos en México porque, parece, dice lo que no se debe decir. Algo contra el gobierno por su corruptela. Algo contra el discurso oficial. 

Se superponen en esta historia, basada en la novela breve "Las Batallas en el desierto" de José Emilio Pacheco, una capa encima de otra de la misma idea: existe una realidad hipócrita que tapa la verdad. 

Todo va bien en México, esa es la realidad, y crece la economía. Pero la verdad es que hay que comprar productos de Estados Unidos y vender las fábricas. Y las colonias del D.F, como Roma, deben ser arrasadas para levantar edificios para encajar en esos pisitos a los que van a venir.

Todo va bien en la familia de Carlitos, que ha dejado Guadalajara, para venirse al D.F. Tienen criada y el chico va a una buena escuela. Pero cuando el hermano asalta el catre de la criada, la que se va de casa es la criada (en la novela esto se explora con más profundidad). Y cuando Carlitos se ve envuelto en un confesión amorosa, lo cambian de escuela, lo llevan al psicólogo y al cura.

La película está plagada de metáforas sobre la realidad velada: 

· Carlitos escucha, a escondidas, la discusión de los psicólogos sobre su diagnosis. · Observa, a través de una cristalera multicolor, que su padre chapurreando el inglés ha vendido la fábrica. 

· Contempla, de frente, el rostro de Mariana, mientras que Jim ve a su madre de perfil o reflejada en el espejo...

Y para los que se pierden en sutilezas, no olvidemos la sacudida y posterior derrame del kétchup, en manos de Carlitos, sobre el pecho de Mariana. No hace falta ser Freund para interpretarlo.

Ghosthunter (2018)

Nuestros fantasmas

Los fantasmas más aterradores los llevamos dentro.

Ghosthunter

Dirigida por Ben Lawrence.
Australia. 2018. 100 minutos.

Documental. Abusos.

El cineasta Ben Lawrence contacta con un cazafantasmas de fin de semana que trabaja de guarda nocturno. Le acompaña en sus aventuras en casas particulares donde sus propietarios han percibido "cosas paranormales".

Ya les advierto que no veremos ningún fantasma.

El cineasta va conociendo más a Jason King (el guarda caza fantasmas), a sus cambiantes parejas, y a su traumática infancia. Jason King ha bloqueado su memoria. Los informes médicos de sus continuas visitas a urgencias le abren los ojos a una realidad que, por evidente, nadie parecía haberla visto: 

Jason King fue un niño maltratado y desatendido por sus progenitores.

Sin perder del todo el contacto durante años, AÑOS, el cineasta y Jason empren una búsqueda del padre ausente hasta descubrir horrorizados sus crímenes.

Acomplejado por la culpa, por haberse salvado, por no haber hecho más, Jason vive luchando por alejarse de ese "fantasma". Mostrando, a través de las ex parejas, rasgos o tics, que nos llevan a preocuparnos. Jason no quiere ser como su padre y su lucha por ser otro, alejándose incluso de ser él mismo. 

Jason King, ghosthunter

Un documental que emprende una búsqueda hacia el profundo y oscuro pasado de un ser humano, en su titánica lucha por despegarse del fantasma que lleva pegado a su alma.  

Al lado de lo vivido, el sótano o el más sombrío rincón del almacén, no dan miedo alguno. 

The Innocents (2021)

Un gran poder conlleva una gran responsabilidad

Pero los niños pequeños son egoístas y albergan maldad

The Innocents

De uskyldige

Dirigida por Eskil Vogt.
Noruega. 2021. 113 minutos.

Fantástico. Terror. Thriller | Infancia. Sobrenatural. Thriller psicológico

Una familia se muda a un suburbio de Oslo en plenas vacaciones. Ida, la hija de 9 años, sale a jugar por ese barrio feo y gris hormigón; a veces sola, y a veces con su hermana mayor, Anna, que es autista. Conocen a otros niños, Ben y Aisha. Y descubren que juntos pueden potenciar sus poderes sobrenaturales.

Vamos a jugar...

Ida (Rakel Lenora Petersen Fløttum) es una niña con destellos de maldad. Ben (Sam Ashraf) veremos pronto que es un psicópata en potencia (pray for el gato). Así, sus juegos de niños y sus rabietas se vuelven peligrosos. Para ellos mismos y para el entorno.

Ben es el futuro malvado de una saga de superhéroes. Empieza pudiendo mover objetos pequeños y termina manipulando personas (a gran distancia) y dirigiéndolas para sus fines. A diferencia del clásico sangrado de nariz por el esfuerzo, aquí no parece cansarse nunca. Y sus poderes van camino de ser ilimitados. Así que todos entendemos que hay que acabar con él.

Pero ¿Quién puede matar a un niño? 😏 Pues otro...

Como la mudanza de la familia de Ida se produce en periodo vacacional, ni hay cole, ni hay nadie en el barrio excepto los pobres. Ben y Aisha (hijos de inmigrantes) viven con sus respectivas madres (y ninguna acaba bien). De los padres, nada sabemos. 

Para la batalla final (batalla de psíquicos) volvieron las familias (y los niños) al parque del barrio. Para dejarnos con ese final en que uno siente que podría haber más niños con poderes por ahí...

Imagen del elenco actoral para que vemos que, en verdad, son buena gente

Ya desde el escupitajo desde el balcón y el pisoteo del gusano, pasando por los trozos de cristal dentro del zapato para llegar al maltrato del gato (vivo y post mortem) ésta es una película difícil de ver para mí. No empaticé con esos pequeños monstruos. Pero llegué a entender a Ida en su plan. Tomar el dinero, despedirse de mamá y engañar a Ben.

Un propuesta valiente. Por revertir la idea de bondad innata de los niños. O por colocar a un personaje autista en la historia y no usarlo como una atracción de feria.

The Party (2017)

La náusea misma 

La hipocresía y las mentiras mantienen pegadas nuestras relaciones

The Party

Dirigida por Sally Potter.
Gran Bretaña. 2017. 71 minutos.

Comedia. Drama | Comedia dramática. Comedia negra. Homosexualidad

Un grupo de amigos se reúne para celebrar el nombramiento político de Janet. Su marido revela que padece una enfermedad. La vida de cada uno de los reunidos es sacudida, y eso provoca, a su vez, sismos en los demás. Se revelan infidelidades, secretos y mentiras.

Decía mi abuela que si es comedia debería provocar risa. Y si es drama debería provocar...algo. Pues yo no sentí nada. Y la verborrea de los personajes pronto la percibí como ruido. Mucho hablar para no decir nada. 

En The Party hay un maravilloso elenco actoral. Pero todos parecen estar asqueados de todo (entiendo que esa era la idea) y tan asqueados como yo (quiero pensar que esa no era la intención).

La premisa de la historia me parece interesante. Es más, mientras asistía cada vez más molesto a los apenas 70 minutos de metraje, pensaba en qué divertida y neurótica comedia neoyorkina hubiese podido exprimir el mejor Woody Allen. Y por otro lado, qué drama de gritos y reproches, con infidelidades y traiciones, hubiese podido sacar Ingmar Bergman con la mitad de los actores que hay aquí.

Pero solo es una comedia (sin gracia) dramática (¿Dónde lo vieron?) británica. Y el humor británico (creía yo) que era otra cosa. Me reafirmo: la comedia negra británica no es para mí.

Here Before (2021)

Reencarnaciones infantiles

La hija muerta se reencarnó en la hija de los vecinos (o no)

Here before

Dirigida por Stacey Gregg.
Gram Bretaña. 2021. 82 minutos.

Thriller. Drama | Thriller psicológico

Una mujer cree que la hija de los nuevos vecinos es su hija reencarnada. Esa creencia (o locura) creará tensiones en aumento hasta un desenlace de culebrón. 

La apacible y monótona vida de Laura (Andrea Riseborough) se sacude con la llegada de unos nuevos vecinos. La familia que se instala en la casa de al lado tiene un hija, Megan. Ese niña tiene la edad que tendría la hija fallecida de Laura.

Laura no es una mujer aferrada al recuerdo y al llanto. La familia no vive en el luto. Parece que han ido sobrellevando la ausencia. Pero Laura y Megan se van encontrando. Y Laura va pasando más tiempo con ella. Y Megan empieza a decir cosas que solo su hija sabría...

"Pero Mamá, ahí me caí yo cuando tenía 3 años"

Me agradó en especial como la relación vecinal se va deteriorando a raíz de lo que unos toman por obsesión y, al otro lado del tabique, por locura. Y que Laura no esté predispuesta a creer. No es una madre focalizada en su hija fallecida. Al inicio, parece haber pasado página. Y es la niña de los vecinos la que viene a recordarle...

El uso de sueños o pesadillas para crear confusión (y hasta cierta intranquilidad en el humilde espectador) se sacude con el giro final. Huyan si no quieran saberlo ahora.

Al final resulta que Megan no es la hija de Laura, sino la hija que su marido tuvo antaño con la vecina. La vecina dice que fue todo una coincidencia. Pero una maravillosa secuencia de Megan y su padre biológico en una cafetería parece poner en claro que ahí hay una mente maestra que planificó todo.

Pero no me quedó claro qué es todo.

¿El plan era volver loca a Laura y reagrupar a la familia?

¿Fue todo un secreto que no se dijo en su momento y se arruinaron las dos familias?

Sorry, pero yo no entendí.

Dallas: The Early Years (1986)

La precuela de DALLAS

Unos jovenzuelos Jock, Ellie y "Digger" Barnes, buscan hacer fortuna (o mantenerla).

Dallas: The Early Years

Dirigida por Larry Elikann.
TV-Movie. Precuela.
Estados Unidos. 1986. 140 minutos.

Drama | Romance. Familia

Dallas: The Early Years, (es petróleo para muy petroleros) es una precuela de la mítica serie de televisión DALLAS. Cuenta los inicios de la amistad y luego rivalidad entre las familias Ewing / Barnes.

Inicia el film con J.R. Ewing en su despacho, hablando a un entrevistador sobre su padre y la enemistad Ewing & Barnes. Luego saltamos a 1951. En una barbacoa,  un sucio y borracho "Digger" Burns dispara contra Jock Ewing. Saltamos luego a 1933 y se nos cuenta cómo se conocieron Jock y Barnes. Y cómo, en un determinado momento, Ellie tomó una decisión (puramente egoísta) para salvar el rancho de su familia, South Fork.

 

¿Quién es quién en Dallas: The Early Years?

La película recoge todos aquellos puntos claves que ya se contaron en Dallas, en especial hasta la temporada 8 (cuando hubo el juicio sobre si Barnes tenía derechos sobre la Ewing). Se nos muestra lo que ya sabíamos: que Willard Barnes era capaz de "oler" tierra con petróleo y que su afición al alcohol le hacía arruinarse. Y que Willard siempre estuvo enamorado de la heredera de South Fork, Miss Ellie.

En la película también aparece Jason Ewing, con el que Jock se pelea al sentirse traicionado y se separan. Y Amada, la primera mujer de Jock, que vive en un sanatorio. Y Garrison, el hermano de Ellie (que en la serie aparece un día cuando todos le daban por muerto desde hacia años).

¿Qué hay de nuevo?

Lo más impactante de la película es la decisión de Ellie. En un determinado momento, cuando lo del ganado no da dinero, se busca petróleo en South Fork (no lo encuentran pero sabemos que lo hay). Cuando el patriarca sufre un ataque (¿Qué sería de Dallas sin alguien hospitalizado?) Ellie decide salvar el rancho casándose con un petrolero en auge.

Ellie y Willard son amigos de la infancia. Ellie "friendzonea" a Willard más de una vez, pero cuando el rancho está en peligro ella parece dispuesta a ir más allá que unos besos furtivos. Pero Willard, ahora ya "Digger", está borracho. Ellie lo da por imposible y va a ver a Jock.

Ellie se ofrece sexualmente a Jock Ewing. Luego le dice que está embaraza (no sabemos si real o no) y le apremia para casarse. Jock se aparta. Ellie le da con el látigo (literal). Luego, Jock irá a pedir la mano al padre de Ellie. Y los señores Southworth (el apellido de Ellie) aceptan a ese "plebeyo" Ewing en su casa.

Jock, Ellie y "Digger"

El acertado casting de Dallas: The Early Years destaca de forma muy positiva. David Marshall Grant, como "Digger", ha mimetizado gestos, movimientos y reacciones del actor Ken Kercheval (Cliff Barnes), y logra una perfecta versión de un Barnes juvenil.

Molly Hagan logra, con los saltos temporales en la cronología, ir acercándose a ser la Señora Ellie que todos conocemos. 

Más trabajo tiene Dale Midkiff (Jock) que está bastante más lejos del Jock original. De hecho, su honradez y bondad (de la que solo conocíamos por la versión de Ellie) se muestra tanto en la película que hasta cuesta creer que este tipo pudiera levantar, el solo, la Ewing Oil. Está claro que los contactos de su esposa le abrieron muchas puertas...

La película Dallas: The Early Years tiene un maravilloso final. Un Cliff niño arrastra a su hermana pequeña Pam lejos del columpio donde está jugando con un pequeño Bobby.

J.R Ewing, junto a su madre Ellie y su padre Jock
Y sus hermanos, el pequeño Bobby y Gary

Si nos ponemos finos, hay algunas incoherencias de guion con la cronología canon de la serie. Como que para ese año de la barbacoa (1951) Pam, según la serie, aún no hubiera nacido. O que la disputa entre Jason, Jock y "Digger" y los contratos con Sam Culver ocurran en 1933 (cuando en la serie ocurrían en 1930). Pero... ¡maldita sea! Disfruten de la historia y no me arruinen la fantasía.

La luz azul (1932)

Una montaña llamada Leni Riefenstahl

La leyenda de un pueblo alpino acerca de una huérfana a la que trataron mal, pero les trajo riqueza.

La luz azul

Das blaue Licht

Dirigida por Leni Riefenstahl & Béla Balázs.
Basada en la novela de Gustav Renker
Alemania. 1932. 70 minutos.

Drama. Fantástico. Montañas

Una pareja llega en su descapotable a un pueblo de montaña. Un grupo de niños intentan venderles unos cristales, típicos del lugar. Una niña les ofrece un retrato de lo que parece una Santa. El hostal está lleno de imágenes de esa Santa. Cenando, preguntan. Así que les traen un libraco (literal) para contarles la historia de Junta.

Niño, trae el libraco

Junta (Leni Riefenstahl) es una muchacha huérfana que vive en las montañas con su amigo, un niño pastor. Junta tiene fama de bruja en el pueblo. Y la montaña donde vive parece tener una maldición. Las noches de luna llena, una misteriosa luz azul aparece. Y los jóvenes del pueblo son atraídos hasta la montaña donde mueren, despeñados escalándola. 

Leni Riefenstahl, alpinista experta, escalando 

En esa época la gente escalaba tal cual, sin cuerdas, ni arneses, ni medida de seguridad ninguna. Y con el mismo calzado de calle que tenían. Junta tiene varios momentos de escalada. Y como musa del llamado "cine de montaña", Leni Riefenstahl, escalaba ella misma en las escenas de alpinismo.

Leni Riefenstahl actriz, directora, guionista y la Santa de la película

Aunque la historia de la leyenda es afable y los escenarios de la película son bellísimos (en especial la cascada) el film me resultó algo aburrido. Ya es sonoro, pero es casi mudo porque los personajes apenas tienen nada que decirse. Se hablan con miradas y silencios. Eso se subraya con la "pareja enamorada" (el pintor Vigo y Junta) que hablan idiomas diferentes.

La resolución final, con la cueva de los cristales y el final de Junta, que pasa de paria del pueblo, a leyenda deificada, tiene mucho de cuento tradicional. También se pueden encontrar algunos temas como el contraste entre el alma pura de la criatura que vive en la Naturaleza (Junta) y la masa amorfa de lugareños hostiles (de religión cristiana). Reminiscencias y nostalgia de los mitos germánicos.

Los cristales que algunos lugareños venden se convierten en la causa de su rápida fortuna (al encontrar Vigo a Junta en la cueva) y precipitan (ehem...) el final. La pureza de lo natural se ve corrompido por el capitalismo que hace negocio con un recursos naturales. Como los niños del inicio que intentan venderle cristales a los turistas.