Vivamente el domingo (1983)

Truffaut siendo Hitchcock, sigue siendo Truffaut

La secretaria enamorada haciendo de detective.

Vivamente el domingo

Vivement dimanche! 

Dirigida por François Truffaut.
Basada en la novela de Charles Williams
Francia. 1983. 106 minutos.

Intriga. Thriller. Comedia | Crimen. Policíaco. Polar francés

Un tipo parece ser el sospechoso del asesinato del amante de su mujer y luego de la propia esposa. La secretaria, enamorada de él, se pone a investigar.

El tenue engaño para el espectador es que la película se plantea de manera que  Julien Vercel (Jean-Louis Trintignant) siempre parece culpable. Y que pese a ser culpable, la secretaria ¡despedida! de su inmobiliaria, se afana a investigar al más puro estilo de sagaz detective privado.

La secretaria (Fanny Ardant) es la que, en verdad, lleva todo el peso de la película ya que Julien se pasa la mayor parte de la historia escondido en la oficina. Así que nos unimos, como un Watson, y seguimos la afortunada investigación. Son muchas las carambolas fortuitas que hacen que el personaje de Fanny Ardant vaya sumando pistas. En el hotel, puede husmear en la papelera y encuentra una pista. Esperando el bus descubre que la pista son nombres de caballos del hipódromo,... Mucho azar.

El tono negro de la historia queda diluido por el tono de afable comedia ligera (y romántica) de la película. La subtrama del despido de la secretaria y la aparición de la nueva aspirante es, por ejemplo, bien divertida.

El homenaje al noir, pero, se mantiene en la excelente fotografía en blanco y negro de Néstor Almendros. Y en escenas como de Fanny Ardant al volante del coche o en ese poderoso momento final, con la cabina telefónica siendo rodeada por la policía.

Quizás Truffaut quiso hacer un film "a lo Hitchcock", cineasta al que tanto admiraba. Pero Truffaut sigue siendo Truffaut y le sale una película de Truffaut. Y para desgracia para el cine, terminó siendo la última de Truffaut.

Herida (1992)

Tragedia griega

Una pasión desmedida arrastra un señor a liarse con la prometida de su hijo.

Herida

Fatale

a.k.a Damage

Dirigida por Louis Malle.
Basado en una novela de Josephine Hart.
Francia. 1992. 111 minutos.

Drama. Romance | Erótico

Un político maduro tiene una tórrida aventura sexual con la prometida de su hijo. La mujer, traumada por su pasado, parece tan gélida como volcánica.

¿Te gusta mi novia, papá?

Sin palabras ni diálogos en el primer encuentro entre el Dr. Stephen (Jeremy Irons) y Anna (Juliette Binoche) ya saltan chispas entre ellos. Y ambos se ven arrastrados a un pasión que desborda convencionalismos culturales y morales.

El personaje de Irons subyugado a la pasión pone en riesgo su estabilidad familiar y carrera política (la secretaria intuye cosas). Él planea una separación de su esposa y parece estar dispuesto a afrontar el secreto ante su hijo. Pero ella no. 

¿Es el personaje de Binoche una femme fatale? Viste casi siempre de negro como una malvada de cuento. Luego se nos cuenta más de su pasado. Un pasado que la dejó "herida". Su hermano se suicido a los 15 años en lo que me pareció un arrebato romántico. Nunca hay flashback, así que hay que creerse lo que dice ella. Y ella dice, entre líneas, que aparte de hermano era su amante. Y que el hermano se mató cuando ella quiso romper esa relación. E irse con un amigo. Pero el amigo lo interpreta Peter Stormare (un actor que siempre luce más malo que los personajes que suele interpretar), así que más que un amigo de la infancia, parece un cómplice de algo turbio.

La esposa no ve al marido, sino el reflejo del marido

Como en una tragedia griega, al final llega la catarsis liberadora para el espectador. Y los malvados pagan. El personaje de Irons pierde a su hijo Martyn (Rupert Graves). Lo pierde literalmente. Y el personaje de Binoche pierde a su prometido, una muerte que replica la que ya vivió son su hermano. Despertando en ella traumas latentes. Y como en la muerte del hermano, ella huye y va a refugiarse con el amigo. 

Antes, en mi momento favorito, durante una comida familiar la madre de Ana desvela que el hermano y el ahora prometido, Martyn, se parecen. ¿Y por qué Martyn se siente atraído por Ana? En un charla con su padre (Irons) alrededor de una mesa de billar, nos lo cuenta. Martyn ha tenido, dice, una infancia con todo. Menos con afecto de sus padres. En Ana encuentra a alguien que necesita ser salvada. Y Martyn necesita  implicarse y no ser distante como el padre. 

Todo este embrollo de relaciones afectivo-sexuales desemboca en una fortuita sucesión de coincidencias que, como una carambola de billar, precipita (hehehe) el destino del hijo.

Será la esposa de Irons quien, en un momento Cluedo nos cuente todo el desarrollo: el conserje del piso de los amantes llama para decir algo sobre la caldera. Marty toma nota y como no sabe nada de ese piso va y decide ir. Y al llegar encuentra la llave en la cerradura ¡por fuera! (porque el padre fogoso así la ha dejado). Y Marty abre la puerta. Y como ya hemos visto, en esa buhardilla abrir la puerta y ver la cama es un todo.

¿Y la esposa de Irons cómo sabe todo eso? 😑

Otra cosa que eché en falta en el final, fue la reacción de la hija del personaje de Jeremy Irons. La chiquilla, que se lleva el noviete a la mansión de vacaciones, es la que ve al padre salir de la habitación de la prometida de su hermano. Y es una chica muy espabilada, pues cuando le dicen que su hermano y su prometida han ido a pasar el fin de semana en París es la que levanta la liebre sobre lo que va a ocurrir. Y entonces el político abandona el Parlamento europeo para correr a París. 

Pero nunca sabremos la reacción de la hija al hecho que el padre con sus acciones haya provocado la muerte del hijo. En una tragedia griega, la hija buscaría venganza y seguiría la espiral dramática.

El año pasado en Marienbad (1961)

Abandonen toda esperanza de entender algo

La persuasión, las trampas de la memoria, el triángulo amoroso o puede que nada.

El año pasado en Marienbad

L'année dernière à Marienbad

Dirigida por Alain Resnais.
Francia. 1961. 91 minutos.

Drama. Intriga. Romance | Nouvelle vague. Surrealismo. Cine experimental. Película de culto

¿Qué sinopsis les escribo? 😂

Un tipo intenta convencer a una mujer casada que abandone al marido y se fugue con él. Parece que ya se conocieron... el año pasado en Marienbad. Pero, vete a saber...

El film es un laberinto (mental y arquitectónico). Y aunque los jardines son muy versallescos, los personajes deambulan perdidos por allí fuera, como andan medio zombis por dentro de un hotel rococó. ¿Y si ya están todos muertos?

Hay un hombre y una mujer charlando sobre el amor. A esa manera tan francesa, a la vez vacía y pretensiosamente profunda. Pasajes de la narración se repiten en un bucle mareante y aburrido.

Aunque en la historia hay atisbos de un pasado. No hay ningún flashback que venga a aclararnos algo. Como tampoco hay los tres actos de una historia típica. Como el juego de mesa al que juega (y siempre gana) el personaje de Sacha Pitoeff (el juego se llama NIM) el espectador que espera entender, siempre pierde.

Aquí el espectador pasivo como yo, que se sienta a que le cuenten algo, llegará a la desesperación y quizás a la ira. 😅

Podría perder en este juego, pero siempre gano

Siempre me ha llamado la atención que Alain Resnais no escribiera sus películas. ¿Cuál era la reacción del guionista al ver que lo que MONTABA Resnais? Lo que montaba o lo que liaba, podríamos decir. Porque es obvio que Resnais agarra algo y lo deconstruye a su manera y esparce las piezas por ahí. Y el espectador valiente o sacrificado puede entenderlo a su manera.

Esta película se comprende mejor si tras verla, uno se pone a ver El resplandor de Kubrick. 

El silencio de un hombre (1967)

Un samurái en un western

Las andanzas de un frío asesino a sueldo

El silencio de un hombre

Le Samouraï

Dirigida por Jean-Pierre Melville.
Basado en una novela de Joan McLeod.
Francia. 1967. 105 minutos.

Cine negro. Thriller | Crimen. Neo-noir. Policíaco. Polar francés.

Jeff Costello es un frío asesino a sueldo. Tras cometer un asesinato, el cliente que lo contrató lo traiciona y la policía va estrechando el cerco a su alrededor.

En los créditos iniciales de la película, con Jeff Costello (Alain Delon) tumbado en la cama de su espartano apartamento, ya vemos que el protagonista está muerto. No literalmente, pero sí que es un personaje en caída libre hacia la nada. 

Jeff Costello está tan atrapado como el pajarillo en la jaula, de su sombrío y mohoso apartamento. Y al final, él mismo parece auto delatarse dejando pistas o afrontando un último encargo con una pistola descargada. 

El tipo anda buscando la muerte. 

El director de fotografía de la película es Henri Decaë, que debutó en el cine con el propio director Jean-Pierre Melville y que fue el operador en algunas de las primeras películas de los cinéfilos-críticos metidos a cineastas que dieron nombre a la Nouvelle Vague. Henri Decaë está en las primeras películas de Louis Malle, Truffaut o Claude Chabrol.

Entre sus enormes y discretas aportaciones están: la cámara en mano siguiendo a los personajes (seguimos a Alain Deloin en el puente, cuando va encararse en el duelo de western con el otro asesino).

O que la luz en una escena venga del punto natural del propio decorado (en la partida de cartas, la única luz es la lampara en el techo. El resto de la escena está iluminada "a oscuras").

El minucioso seguimiento que se hace en esta película de las acciones (curarse la herida en el brazo, probar las llaves en las cerraduras) y el seguimiento del personaje cuando va del punto A al punto B (vemos todo el recorrido, sin elipsis, aunque por el camino no ocurra nada) llenan el vacío y la soledad que flotan alrededor del protagonista.

La película es sobria hasta el minimalismo. Fría, áspera y el personaje es lacónico, callado y profesional. También es profesional la policía (que usa algunos de los mismo métodos que el asesino, como un juego de llaves para ir probando en las cerraduras ajenas).

Playtime (1967)

Kafka buscando a Wally

Encuentra a Hulot en el edificio moderno y en el restaurante parisino.

Playtime

Dirigida por Jacques Tati.
Francia. 1967. 123 minutos.

Comedia | Sátira. Secuela.

Un grupo de turistas americanas llegan para visitar París. Monsieur Hulot va a buscar un paquete. Se pierde. Acaban todos deambulado en una feria de muestras. En la segunda parte, acaban en un elegante restaurante en el que aún están acabando las obras.

No hay protagonista ni trama. Hay una sucesión de situaciones, a veces gags, en diversos escenarios. Ocurren hechos en primer, en segundo y en tercer plano. Algunos gags tienen continuidad dándole una segunda o tercera vuelta de tuerca.

¿Se acuerdan de las páginas recargadas de gente haciendo cosas en los álbumes de Buscar a Wally? Pues algo así.

La cámara no te lleva a lo que hay que mirar. Tú eliges en qué fijarte. Y siempre te perderás cosas. Incluso al propio Hulot, que aquí está replicado en varios personajes.

La primera parte con los edificios de cristal, las salas infinitas con gente en cubículos, y con Hulot perdido yendo de aquí para allá, tiene algo de kafkiano: Ese portero que no se aclara con las órdenes pulsadas en una máquina, o el propio Hulot que no sabe salir de la casa porque no encuentra el pulsador de la puerta.

El cubo de basura - columna griega 😄

Jacques Tati edificó un falso París, con maquetas para envolver "con ciudad" su edificio moderno. Los monumentos emblemáticos de París los vemos reflejado en los cristales, en un juego de irrealidad. Como si los turistas solo vieran lo que ya han visto en folletos o postales. Es el postureo de Instagram 40 años antes.

La película fue un fracaso económico que casi llevó a su creador a la bancarrota.

Corto Maltés: La balada del mar salado (2003)

El Rick Blaine de los mares del Sur

Adaptación animada de la primera historieta de Corto Maltés. 

Corto Maltés - La balada del mar salado 

Corto Maltese - La ballade de la mer salée

Dirigida por Richard Danto y Liam Saury.
Basada en el cómic de Hugo Pratt.
Francia. 2003. 90 minutos.

Animación. Aventuras | Cómic

El cómic de Hugo Pratt La balada del mar salado (1967) está ambientada en el océano Pacífico, en las islas de Melanesia, entre 1913-1915.

Un par de primos (de familia rica) han sido "rescatados" por el pirata Rasputín, con la intención de cobrar un rescate. Rasputín rescata del mar a otro pirata, medio colega medio rival, Corto Maltés. Juntos, secuestran un barco mercante cargado de carbón. Corto y Rasputín "trabajan" bajo las órdenes de El Monje. 

 

El Monje

El Monje controla el tráfico marítimo desde su isla secreta, La Escondida. Pacta alianzas, en un clima prebélico, con aquel que cree que más beneficios le reportará. Y mantiene un equilibrio de poderes con Rasputín, Corto o Cráneo, un indígena elevado a mano derecha de El Monje.

Todos se ellos se alían, se desprecian y se traicionan según les convenga. Y los primos ricos son una carga que pasa de mano en mano durante la historia.

Corto Maltés

Corto Maltés es un tipo malo-pero-bueno. Rudo pero, en el fondo, de buen corazón. Con su propio código y dispuesto a morir y a la vez, capaz de escapar de las batallas que no le interesan.

Un personaje que me recuerda a los roles habituales de Humphrey Bogart (en especial el Rick Blaine de Casablanca). Y que, como Bogart, suelta frases lapidarias cuando menos te lo esperas:

"La autoridad se tiene mientras no se está obligado a imponerla"

Al azar, Baltasar (1966)

Animales humanos y un asno

Las desventuras de un pobre asno al que maltratan diversos propietarios poco humanos.

Al azar, Baltasar

Au hasard Balthazar

Dirigida por Robert Bresson.
Francia. 1966. 95 minutos

Drama | Animales

Baltasar es un asno que, a lo largo de la película, irá pasando por diversos "propietarios". Todos lo hacen trabajar. Muchos le maltratan y otros, encima, le son rancios con la comida.

La joven Marie atrapada en ese mundo sin esperanza, será un equivalente humano del asno. También a Marie la maltratan y la usan.

Se me hizo muy difícil esta ficción. Sufría yo por el pobre asno. Si bien los peores golpes, es EVIDENTE que no los recibe realmente el asno, y otros muchos son en off. Esto no quita que mi empatía me hiciera padecer mucho más por el pobre animal que por el personaje de Marie. Que, al fin y al cabo, era una actriz, mientras que el asno solo era... el asno. 

A Bresson le gusta que los personajes digan unas cosas y mostrarte con las imágenes que hacen lo opuesto (algo muy humano). Es un juego narrativo continuo en la película.

Otro punto de dificultad es la economía narrativa de Bresson. Su parquedad explicativa, su pobreza de medios y sus abuso en usar la elipsis.  

Quizás Bresson tenía un guion y le fue quitando páginas y escenas porque "el espectador ya lo entenderá". Quizás se vino arriba y olvidó que el espectador final nunca habría visto el guion original. Por lo que a mí respecta, la mayor parte de las preocupaciones y motivaciones de los personajes no las entendí.

Aparte que, ante la mayoría de personajes, malvados e inhumanos, uno espera que aparezca un Clint Eastwood de la vida a repartir mamporros justicieros. Pero no. Aquí la desesperanza es el motivo de la vida. Y al final, te mueres. (O sea el asno, se muere).

Ay, no 😔

Emilia Pérez (2024)

Aunque el narco se vista de seda, narco se queda

Emilia Pérez

Dirigida por Jacques Audiard.
Basado en una novela de Boris Razon
Francia. 2024. 122 minutos

Thriller. Musical. Drama | Transexualidad / transgénero. Crimen. Drogas

Un narco mexicano, asquerosamente rico, quiere ser mujer. Contrata a una abogada para lo gestione todo: desde la operación de cambio de sexo hasta su falsa muerte para desaparecer. Y también para esconder a su esposa y a sus hijos en Suiza.

Cuatro años después, cuando ya es la rica Emilia Pérez, echa de menos a sus hijos. La abogada trae la familia y presenta a Emilia como una parienta del narco. Emilia Pérez usa su fortuna para buscar desaparecidos y ajusticiados por el narco, así se siente realizada. Hasta que un día su mujer/viuda decide casarse de nuevo y llevarse a los niños con ella. Entonces, reaparece el narco que hay en ella.

Esta película es un musical. Así que nada de lo que podría ser dramático parece, en verdad, serio. Ni siquiera las fosas comunas porque... ¡Bailemos todos de repente!

 

Bajo el filtro de lo trans la película es: el llanto de un rico. 

De un asquerosamente rico que se ha enriquecido haciendo el mal (tráfico de drogas, extorsión, asesinato, secuestro,...). Todo eso está ahí pero, como la abogada o el médico que realiza la operación, hay que fingir que nunca existió y que el dinero le cayó del cielo. 

Ningún personaje me cae simpático y es imposible para mí empatizar con las protagonistas. Ni con la abogada que toma el dinero y calla, ni mucho menos con el llanto del narco rico. Así que asisto a la película esperando que aparezca la típica justicia divina resolutoria. Y así es: un accidente de coche acaba con la vida de Emilia, su esposa-viuda y el amante de ésta. Y el film termina con la abogada acogiendo a los niños del narco (y se supone que habiendo agarrado todo el dinero que ha podido).

Yo soy aquel...

La película esquiva temas que yo eché en falta. Como que algún cártel rival fuera a por Emilia Pérez o que el propio gobierno se la quitase de en medio porque eso de desenterrar fosas suele ser molesto. Nada de eso está.