Blade Runner (1982)

Reseña de la joya cyberpunk de Ridley Scott

Un agente especial debe volver al trabajo para retirar unos robots rebeldes cuyos recuerdos se perderán como lágrimas en la lluvia.

Sed de mal (1958)

Necesitamos un toque de maldad

Un atentado en una ciudad fronteriza destapa lo peor de ambos lados de la frontera.

El Cid cabreador (1983)

Cápsula del tiempo: España inicios de los 80

Si ya conocen la leyenda del Cid, ahora venga a reírse.

Sin perdón (1992)

Desmitificando la leyenda

Un anciano granjero retoma su vida de forajido por dinero.

El jinete pálido (1985)

La fiebre del oro y el fantasma vengador

Un misterioso jinete viene a impartir justicia... ¡desde el infierno!

Happy end (2017)

Haneke, siempre dispuesto a amargarte el día

La familia burguesa francesa y su agría vida.

Happy end

Dirigida por Michael Haneke.
Austria. 2017. 110 minutos.

Drama | Familia

Un accidente en una obra sacude la (falsa) tenue paz de la familia de la constructora. 

Como todos los personajes, todos parientes a su pesar, me son antipáticos, el resultado -deliberado por el cineasta- es un película antipática. 

El anciano (Jean-Louis Trintignant) parece senil en un determinado momento, pero luego pasa a ser la única luz capaz de ver en las sombras de su nieta. La nieta (Fantine Harduin), viendo el mundo a través del móvil y en formato vertical, siente para los seres vivos (parientes o mascotas) el mismo apego que una piedra. Y con el egoísmo y la crueldad propia de los infantes, parece tan inocente en su mirada como capaz de estrangular al bebé de su madrastra. 

El padre (Mathieu Kassovitz) y la tía (Isabelle Huppert) son personajes tan normales y corrientes que toda la hipocresía de sus vidas y el cinismo de su acciones solo se percibe cuando uno asume que todos somos normales y a la vez hipócritas y cínicos. 

Ahí está siempre Haneke dispuesto a amargarte el día.  

Haneke haciendo llorar a una niña

El propio Haneke no escapa de esa ridiculez buenista, la aparente denuncia social pero que replica los estereotipos del burgués blanco europeo. Veamos: El grupo de inmigrantes subsaharianos (¿puedo decir chicos negros?) con los que topa por la calle el anciano cuando escapa, es el mismo grupo que aparece en las puertas del restaurante. 

Aquí Haneke denuncia (interpreto yo) la hipocresía de los blancos, que son forzados a sentarlos a una mesa a pesar de ser aquella una celebración privada. 

¿Y por qué debería sentar a unos no invitados a una mesa de la celebración? Pues por el qué dirán los demás. Por aparentar.

Haneke usa al mismo grupo de chicos negros en las dos escenas. Porque los tiene en un pack indivisible. No son personajes, no tiene nombre, no son individuos. Solo son "el grupo de chicos negros". Seguramente no eran actores, sino realmente un grupo de inmigrantes en un campamento. Un grupo de chicos negros a los que el cineasta Haneke "usó" para su película. Como los usan esa familia para aparentar que son tolerantes e integradores. 

Y realmente se creen que lo son. Como el propio Haneke debe creer que está haciendo una denuncia social. O quizás solo quería salpicarnos su nihilismo y su amargura. Un grande Haneke.

La novia de Frankenstein (1935)

Lo mejor y lo peor de una secuela

Otro científico, otra creación y ahora (por fin) Karloff habla.

La novia de Frankenstein

The Bride of Frankenstein

Dirigida por James Whale.
Secuela.
Estados Unidos. 1935. 75 minutos.

Terror. Ciencia ficción | Secuela. Monstruos

Una noche de tormenta, mientras hace costura, Mary Shelley cuenta a su esposo Percy y al enamorado de sí mismo Lord Byron, como sigue la historia de su Frankenstein...

Un siniestro científico, el doctor Petrorius, acude a casa del doctor Frankenstein para que colaboren en la creación de otra criatura. De mientras, la criatura original, que ha sobrevivido al incendio del molino, vaga por las  montañas y aprende hablar con un buen señor ciego.

"Tabaco bueno"

Es más que evidente que el portentoso éxito de la película El doctor Frankenstein les animó a hacer esta secuela. Hay un poco disimulado interés en replicar lo que funcionó, en duplicar "los monstruos", en aportar innovaciones técnicas (las criaturas liliputs que Pretorius tiene en tarros de cristal), y en darle un inconcebible happy end a la historia que redimiera al "monstruo", que decide salvar al creador a costa de una auto inmolación. 

Esta secuela, quizás igual de buena que su antecesora, contiene sin embargo algunos denunciables engaños al espectador que no puedo evitar reseñar.

El primero es el título. No se trata de la novia de Frakenstein sino de la novia de la criatura (o en la jerga del film anterior, "del monstruo"). Frankenstein, Víctor Frankenstein (Colin Clive), ya tiene novia. En la película anterior y en esta. (Aunque no sea la misma actriz 😉).

Y otro maravilloso engaño publicitario es que "la novia" apenas sale unos minutos al final. 

Emo-sido-engañaos.

Por cierto, que la novia es Elsa Lanchester que también hace de Mary Shelley, al inicio del film. 

El impacto de la criatura de Karloff en la historia del cine y en la cultura popular en general tampoco deben hacernos obviar tremendas incoherencias del film: al monstruo le dan un brebaje para dormirlo. Pero luego aparece de la nada en la torre atacando a los ayudantes. Y de pronto vuelve a estar dentro del castillo, para  conocer a "su chica".

Aún con todos esos fallos o engaños o simple voluntad de estirar un éxito, la historia es amena y la fascinación por la criatura, inmortal.

Vivamente el domingo (1983)

Truffaut siendo Hitchcock, sigue siendo Truffaut

La secretaria enamorada haciendo de detective.

Vivamente el domingo

Vivement dimanche! 

Dirigida por François Truffaut.
Basada en la novela de Charles Williams
Francia. 1983. 106 minutos.

Intriga. Thriller. Comedia | Crimen. Policíaco. Polar francés

Un tipo parece ser el sospechoso del asesinato del amante de su mujer y luego de la propia esposa. La secretaria, enamorada de él, se pone a investigar.

El tenue engaño para el espectador es que la película se plantea de manera que  Julien Vercel (Jean-Louis Trintignant) siempre parece culpable. Y que pese a ser culpable, la secretaria ¡despedida! de su inmobiliaria, se afana a investigar al más puro estilo de sagaz detective privado.

La secretaria (Fanny Ardant) es la que, en verdad, lleva todo el peso de la película ya que Julien se pasa la mayor parte de la historia escondido en la oficina. Así que nos unimos, como un Watson, y seguimos la afortunada investigación. Son muchas las carambolas fortuitas que hacen que el personaje de Fanny Ardant vaya sumando pistas. En el hotel, puede husmear en la papelera y encuentra una pista. Esperando el bus descubre que la pista son nombres de caballos del hipódromo,... Mucho azar.

El tono negro de la historia queda diluido por el tono de afable comedia ligera (y romántica) de la película. La subtrama del despido de la secretaria y la aparición de la nueva aspirante es, por ejemplo, bien divertida.

El homenaje al noir, pero, se mantiene en la excelente fotografía en blanco y negro de Néstor Almendros. Y en escenas como de Fanny Ardant al volante del coche o en ese poderoso momento final, con la cabina telefónica siendo rodeada por la policía.

Quizás Truffaut quiso hacer un film "a lo Hitchcock", cineasta al que tanto admiraba. Pero Truffaut sigue siendo Truffaut y le sale una película de Truffaut. Y para desgracia para el cine, terminó siendo la última de Truffaut.

La cena (2025)

Los cocineros del patíbulo

Una cena de gala para Franco cocinada por rojos

La cena

Dirigida por Manuel Gómez Pereira.
Basada en la obra de José Luis Alonso de Santos
España. 2025. 106 minutos.

Comedia. Drama | Comedia negra. Posguerra española. Cocina.

Acabada la guerra civil española, Franco quiere una cena en el hotel Palace de Madrid. Pero la sala del restaurante es un hospital de campaña y los cocineros están presos.

La primera secuencia: con ese teniente dormido siendo llevado en motocicleta, el chiste del movimiento nacional al cruzar las muchachas y ese fondo digitalizado del Madrid de posguerra, dan a entender que es mejor no esperar gran cosa de la película. Y poner la expectativa por los suelos, permite luego disfrutar de una comedia simpática.

Alberto San Juan, como el maître equidistante y refinado, está estupendo. El resto del reparto, muy por debajo. Mario Casas tiene su escena de culo al fresco y torneados músculos (completamente opuesto a lo que su personaje ha pretendido hacernos creer durante el film: que lleva tres años de guerra. ¡Pues se las habrá pasado haciendo crossfit!).

Para que el personaje del teniente resulte simpático, colocan a uno de Falange muy malo, que incluso se acuesta con la esposa del teniente. Y para que el joven enamorado de al película, el "somier" (sommelier), un tipo más insulso que una alpargata resulte simpático, su antagonista (el camarero franquista) debe ser traidor y chantajista. Todo muy básico y sin complicaciones.

El argumento de la película replica aquellas películas de aventuras bélicas de tono cómico. No llega a La vida es bella ni mucho menos a Los 12 del patíbulo. Tampoco es, en otro contexto del entretenimiento, Pesadilla en la cocina.

Y niego la opinión mayoritaria que esta película sea "berlanguiana". En la escena del falso ataque al Caudillo, Berlanga hubiera colocado a los generales bajo la mesa. O al propio Franco bajo la mesa y a su mujer impertérrita (como Suarez y Carrillo el 23F) diciendo: "Levántate y aséate Paco, que hemos ganado una Cruzada".

Pero enumerar lo que la película NO Es, es una tontería. La cena ES una entretenida y simpática comedia sin pretensiones históricas ni de demasiadas denuncia políticas (los atrincherados se las ven; como otros ven ovnis). 

Yo solo la disfruté. Y mucho es eso en esto tiempos.

Núremberg (2025)

Heil Russell Crowe

El teatrillo público de exponer a los jerarcas nazis ante sus malévolas acciones y permitir a los vencedores ajusticiarlos.

Núremberg

Nuremberg

Dirigida por James Vanderbilt.
Basada en el libro "El nazi y el psiquiatra", de Jack El-Hai.
Estados Unidos. 2025. 148 minutos.

Thriller. Drama | Drama judicial / Abogados/as. Basado en hechos reales. Nazismo. Años 40

Un joven psiquiatra militar es reclamado en Núremberg para un proyecto: evaluar a los jerarcas nazis sometidos al macrojuicio aliado. La creciente cercanía humana con ellos, en especial con el carismático Göring, le costará la carrera.

El personaje del Doctor Kelley (Rami Malek) va de menos a más. Su escena de presentación es tan simple y vista tantas veces que hasta produce pena. Sus penúltimas escenas, por el contrario, dejan con ganas de saber más de este alcohólico tipo echado a perder que intenta advertirnos, a los espectadores del presente, que los nazis no eran el diablo. Sino seres humanos corrientes. Y si bien el ecosistema de la Alemania tras la Gran Guerra propició su crecimiento, nada impide que reaparezcan en otro tiempo y en otro lugar. Porque en el fondo no se trata de ninguna ideología política sino de un simple y llano anhelo de poder. 

Russell Crowe es un fantástico y maravilloso Hermann Göring. Sí. Es tan carismático, tan roba-escenas, tan acapara-momentos como parece que fue el propio Reichsmarschall. Crowe-Göring sostiene la película, él es la grandeza, el Sol alrededor del cual pivotan los demás planetas (como el doctor, el juez Jackson) y los demás satélites nazis, eclipsados por la enormidad (y esto no es un chiste de gordos) del afable Hermann. 

La película, de esquema clásico, resulta entretenida. En parte porque cumple todo lo que anticipa y porque, en un claro interés por la simplicidad, elude personajes y situaciones complejas o que pudieran resultar contradictorias. Hubo muchos más jerarcas nazis juzgados de Núremberg: militares y políticos. Y otros muchos "buenos alemanes" que apoyaron, financiaron o se beneficiaron del régimen nazi a costa de la vida de millones de personas. Si en los verdaderos juicios de Núremberg algunos de esos nazis fueron absueltos y otros ni siquiera llegaron a ser encausados (nunca conviene molestar a los empresarios, por muy nazis que sean), menos vendrá esta película a meterse en esos jardines. 

Hay momentos cómicos en la película. Algunos algo incómodos y otros pueriles (toda la aventura de Rudolf Hess). Y muchas escenas están compuestas solo para explicarle al espectador cosas que los personajes ya deberían saber (el juez Jackson queda en las ruinas del estadio de Núremberg para contarle qué fueron las leyes raciales de Núremberg al doctor, que ha estudiado a Göring en profundidad y que -cita textual- "lo conozco mejor que nadie"). 

La simpatía que despierta el Göring de la película también puede llegar a resultar incómoda, no porque el verdadero Göring no fuera "el nazi simpático" sino porque el film podría, por momentos, hasta parecer laudatorio.

El pérfido, cobarde, vulgar y antisemita personaje de Julius Streicher está ahí solo para que el de Göring parezca noble, elegante y educado. ¡Y porque algún malo debe ser colgado al final!

La  película mezcla imágenes reales con ficciones. Sale regular de esa aventura y en un momento concreto roza el ridículo. Cuando aparece un falso Adolf Hitler en una escena de transición que nada aporta y para nada sirve. 

Todo sobre Lily (2001)

El éter antes que esta vida

Adolescentes japoneses en caída libre por incomunicación y soledades.

Todo sobre Lily

Riri Shushu no subete (All About Lily Chou Chou)

Dirigida por Shunji Iwai.
Japón. 2001. 146 minutos.

Drama | Drama psicológico. Música. Internet / Informática. Adolescencia. Amistad. Acoso escolar / Bullying. Cine experimental

Ambientada en el Japón rural de los años 90 la película sigue las vidas de unos adolescentes. La vida de instituto marcada por el acoso, la humillación y la violencia. Y la otra vida, la digital, en un foro de Internet sobre una idol, como zona segura.

La película muestra, y transmite, la devastadora soledad de un grupo de adolescentes y sus turbias formas de (in)comunicación. A base de críticas, burlas, humillaciones o actos delictivos. Una generación perdida por la crisis de los 90 y por el coming age a una madurez que ni se planteaba tener un futuro.

Y el naciente ciberespacio como zona segura. Un lugar donde compartir su pasión (desmedida, como todo lo de esa etapa de vida), por la música y la mitificación de las letras o de la propia cantante, Lily Chou Chou (a la que nunca llegamos a ver, pero sí a escuchar).

 

La música es vital para esos jóvenes, para la película y para el propio cineasta. Shunji Iwai se inició el mundo del videoclip. Y hay varios momentos en la película que son puro videoclip musical. Una pausa para tomar aire entre las penurias que hemos visto ya y las turbiedades que se nos vienen.

Antes de la película, como experimento social, el cineasta Shunji Iwai y su compositor de referencia en sus películas, Takeshi Kobayashi, crearon una web de una supuesta idol y publicaron algunos comentarios citando versos de las canciones. Pronto llegaron comentarios reales de adolescentes atraídos por esa música y esas letras. Y más pronto que tarde surgieron pensamientos tristes y reflexiones bastante sombrías para con sus vidas. Esos comentarios se incorporaron a la película. Porque aunque todo esto sea ficción, el sentimiento de dolor es real.

La película tiene mucho de cine indie, logrando momentos muy perdurables en la memoria. La intensa luz en las clases de música o el verde mortecino de las salidas nocturnas en bicicleta. Nunca se esconde que aquello es ficción. Pero a la vez, tiene algo de recuerdo difuminado o de memoria recuperada. En cambio, toda la parte del viaje a Okinawa, con los personajes grabándose a sí mismos, tiene toda la estética del cine de "metraje encontrado".

La trama, que busca lo experimental, se regodea en una complejidad que no me queda claro si es deliberadamente opaca, señal de incapacidad para contarnos lo que pretende o lo que es más probable: la indiferencia del cineasta para con el espectador. 

Yo me perdí. Y a ratos anduve tan desorientado como los personajes. 

Más allá de los verdes campos de arroz y del vacío del ciberespacio, en esta historia hay algo de melancólico romanticismo. Pero se nos pierde entre los dedos por la apabullante desilusión que lo empapa todo. 

Stromboli, tierra de Dios (1950)

De Hollywood a Stromboli

Las ansias de libertad de una mujer encerrada en un isla.

Stromboli, tierra de Dios

Stromboli, terra di Dio

Dirigida por Roberto Rossellini.
Italia. 1950. 107 minutos.

Drama | Neorrealismo. Vida rural. Pesca. Volcán.

En un campo de refugiados, acabada la guerra, una mujer acepta un matrimonio. Su marido la lleva a su casa, un chabola en la agreste y miserable isla de Stromboli. Nada más llegar, ella querrá huir.

Karin (Ingrid Bergman) está encerrada. En el campo de refugiados, luego en la isla, también en el laberinto de callejuelas del pueblo, y al final la acaban encerrando -literalmente- en su casa. Y su única huida es hacia arriba, real y metafísicamente, hacia el volcán y hacia Dios, pagano o cristiano.

Stromboli es la primera película que Roberto Rossellini rodó con Ingrid Bergman. La actriz, una estrella en el Hollywood de la época, abandonó todo (trabajo y familia) para irse a trabajar con ese cineasta cuyas películas le habían fascinado. Su adúltera relación conmocionó al mundo del salseo. Anna Magnani le puso los spaghettis por sombrero a Rossellini y el Vaticano no quiso validar su matrimonio.

Mucho del shock cultural e idiomático que debió padecer Ingrid en Italia está en la película, que refleja la incomunicación con los isleños, la soledad y el vacío con el que castigan las conductas, juzgadas de indecorosas, por las mentalidades de esas gentes. 

 

Rossellini, cuya cámara es testigo de la historia individual de esta mujer y sus ansias de libertad, documenta con afán la tradicional pesca del atún. Y  observa el agreste paisaje, jugando con los cuatro elementos: tierra, agua, aire y fuego. Karin, su marido, los viejos del pueblo, el capellán, son meros figurantes de un escenario natural marcado por el volcán que preside la isla y domina las vidas de los seres humanos que viven allí.

La gran belleza (2013)

¿Y entonces qué? Entonces nada.

Viejas momias que se creen jóvenes esperando la muerte en la bella pero fenecida Roma.

La gran belleza

La grande bellezza

Dirigida por Paolo Sorrentino.
Italia. 2013. 142 minutos.

Comedia. Drama | Comedia dramática. Literatura. Vejez / Madurez

Un grupo de romanos frívolos y antipáticos deambulan por la bella ciudad de Roma mostrándonos su pedantería.

Jep Gambardella (Toni Servillo) es el personaje conductor de este carnaval de momias, soledades, vacíos y animales en CGI. Un tipo insoportable, pagado de sí mismo, de lengua viperina y sentenciosa, que parece estar de vuelta de todo pero que en verdad no ha llegado jamás a nada porque hace 40 años su amor de juventud lo abandonó. Y el tipo sigue ahí, atascado buscado los pechos que la muchacha le mostró.

El inicio de videoclip de gran presupuesto ejemplifica ese barroquismo innecesario, que hace rocosa toda la película. O sea, un ladrillo. O, para ser más esnob, una piedra milenaria del Coliseo romano. 

Algo habitual en el cine de Sorrentino es ese alargamiento de escenas mucho más allá de lo narrativamente necesario (lo qué nos quiere contar) lo que provoca la incomodidad y la molestia (generando un sentimiento auténtico); en lugar de contarnos "qué cansino, todo", logra que sintamos ese fastidioso cansancio vital. De rebote, claro, la película se alarga. Para mí, dos horas más de lo necesario. 

Todo ese mundo recuerda La Dolce Vita (Federico Fellini; 1960). La película no tiene el valor suficiente para ser un remake pero no oculta en ningún momento que es una mala copia. Desde siempre, los romanos han plagiado y lejos de sentir vergüenza por ello, se sienten orgullosos. ¿Acaso no plagio Virgilio a Homero sin complejo alguno y con el beneplácito de todos? Pues también plagia Sorrentino a Fellini y todos le aplauden.

Jennie (1948)

El arte de captar lo eterno

Un pintor vive una ensoñación y el amor le da vida.

Jennie

Portrait of Jennie

Dirigida por William Dieterle.

Estados Unidos. 1948. 86 minutos.

Drama. Romance. Fantástico | Drama romántico. Pintura. 

Años 30, New York. Un pintor pobre logra malvender un esbozo. En el gélido y brumoso Central Park conoce a una chiquilla que parece surgir de otra época, y se produce un encantamiento romántico más allá del tiempo.

¿Qué edad tendrá ese pintor interpretado por Joseph Cotten? ¿Treinta? ¿Cuarenta? Eso es importante para captar que si Jennie (Jennifer Jones) nace a inicios de siglo, a final de la historia tendrá unos treinta y tantos. Es decir, en el último encuentro tendrán edades parecidas. 

Mientras que él va una velocidad, ella avanza a acelerones; ella "crece a saltos" entre los encuentros. Porque es un fantasma, ¿quizá? Porque él se la imagina ¿solo para tener un objetivo para pintar? Como apunta la señora de la tienda de cuadros (Ethel Barrymore). 

Y aunque nadie más parece ver a Jennie, el chal es la prueba física que existe. (O que existió o que existirá 😛).

Y la monja (Lilian Gish) la conoció. Y una monja no va a mentirnos, ¿no?

¿Qué es más fantasmal el cuadro o la modelo?

Una película que arranca con una cita de Eurípides y otra de Keats no es apta para cualquiera. Por eso, más que buscarle una explicación psicoanalítica o lógica a toda esta ensoñación, es mejor dejarse llevar.

El director William Dieterle siempre reconoció que Jennie (basada en una novela de Robert Nathan) era un proyecto del productor David O. Selznick, que parece que se empeñó tanto en la película que tuvo que cerrar su productora luego. No fue el último final... el maravilloso director de fotografía Joseph H. August padeció un mortal ataque al corazón en el mismo set de la película. Parece que fue a ver a Selznick, se sentó en su despacho y le dijo "Ya hemos acabado" (la película, se entiende). Y falleció ahí mismo.

August realizó un trabajo fascinante en Jennie, con una luz de encantamiento y una atmósfera que de tan romántica casi es fantasmal. 

Para nada realista, claro. 

Como el arranque el film en que nos metemos en lo que parece un cuadro de Monet (porque vemos el mundo a través del pintor protagonista) o ese final que se "colorea" con la tormenta y cierra en color (como hizo unos años antes El retrato de Dorian Gray).

Jennie es una película de cuando la películas NO pretendían ser realistas. De cuando a una estrella se la iluminaba desde diversos puntos, ajenos todos a los "focos" lógicos de una ventana o de una lámpara. Donde las transparencias de los fondos buscan la ensoñación, la magia de un cuento, lo irreal. 

Si llegamos a Jennie buscando verdad, nos echará su etérea fantasmagoría. Hay que adentrarse en la bruma como quien avanza por un sueño, sabiendo que está soñando.

El demonio de las armas (1950)

El revolver y la pólvora

Una pareja de amantes forajidos en huida hacia la nada.

El demonio de las armas

Gun Crazy / Deadly Is the Female

Dirigida por Joseph H. Lewis.
Estados Unidos. 1950. 87 minutos.

Cine negro. Drama | Crimen. Robos & Atracos. Melodrama. Serie B. 

Bart es un muchacho fascinado por las armas. Su obsesión lo ha llevado a un reformatorio y a la Armada. En una feria conoce a Annie Laurie Starr una seductora pistolera. Juntos inician una relación apasionadamente criminal.

Annie (Peggy Cummins) es una femme fatale con su corazoncito. Su personaje se define a sí mismo cuando dice: "Me han tratado a patadas toda la vida. Y de ahora en adelante voy a empezar a dar patadas yo."

Annie ordena y manipula a su marido Bart (John Dalle), un tipo cuya atracción fetichista por las armas se encarna en Annie. También ella acabará unida a él y su amor recíproco, sellará sus destinos. Son el revolver y la pólvora.

El destino de esa relación, viviendo peligrosamente por encima de sus posibilidades, ya se nos preludia en las escenas de los dos escaparates: En la joyería cuando compran el anillo de boda y, dos escenas bucólicas después, ante el escaparate de la tienda de empeños. 

El anillo viene y el anillo se va

No serán éstos los únicos escaparates o ventanas importantes en la película. Ya iniciamos en uno, en la pedrada al cristal de la tienda de armas. O en la mirada hacia el gélido exterior nevado de la cabaña. Un mundo hostil ante el que la pareja solo se tiene a sí misma.

Bien podría ser la Dietrich en una peli de Sternberg

Sin ser la primera película que aborda el tema de la pareja de criminales sí es uno de los más importantes puntos de partida para ese subgénero. De aquí beben el Bonnie & Clyde o mucho del cine de Tarantino.

Imitada muchas veces es el plano-secuencia del atraco con la cámara (el espectador) metida dentro del coche. Incluso cuando ellos salen, el espectador se queda dentro. Somos cómplices y partícipes en las fechorías de esta pareja de forajidos.

Basada en un relato de MacKinlay Kantor (el autor de Los mejores años de nuestra vida) esta road movie de matrimonio criminal contó con Dalton Trumbo en el guion (no acreditado en su momento por estar en la lista negra). Un historia de delincuentes marcada por la censura de la época que más allá de ofrecer un esperado final trágico para los malvados, no puede disimular el erotismo de la atracción por las armas y la pasión desmedida de una pareja que si no está en acción (huyendo, disparando o dilapidando el dinero robado) no puede coexistir. Una llameante historia de amor. De amour fou.