Blade Runner (1982)

Reseña de la joya cyberpunk de Ridley Scott

Un agente especial debe volver al trabajo para retirar unos robots rebeldes cuyos recuerdos se perderán como lágrimas en la lluvia.

Sed de mal (1958)

Necesitamos un toque de maldad

Un atentado en una ciudad fronteriza destapa lo peor de ambos lados de la frontera.

Sin perdón (1992)

Desmitificando la leyenda

Un anciano granjero retoma su vida de forajido por dinero.

El jinete pálido (1985)

La fiebre del oro y el fantasma vengador

Un misterioso jinete viene a impartir justicia... ¡desde el infierno!

La novia de Frankenstein (1935)

Lo mejor y lo peor de una secuela

Otro científico, otra creación y ahora (por fin) Karloff habla.

La novia de Frankenstein

The Bride of Frankenstein

Dirigida por James Whale.
Secuela.
Estados Unidos. 1935. 75 minutos.

Terror. Ciencia ficción | Secuela. Monstruos

Una noche de tormenta, mientras hace costura, Mary Shelley cuenta a su esposo Percy y al enamorado de sí mismo Lord Byron, como sigue la historia de su Frankenstein...

Un siniestro científico, el doctor Petrorius, acude a casa del doctor Frankenstein para que colaboren en la creación de otra criatura. De mientras, la criatura original, que ha sobrevivido al incendio del molino, vaga por las  montañas y aprende hablar con un buen señor ciego.

"Tabaco bueno"

Es más que evidente que el portentoso éxito de la película El doctor Frankenstein les animó a hacer esta secuela. Hay un poco disimulado interés en replicar lo que funcionó, en duplicar "los monstruos", en aportar innovaciones técnicas (las criaturas liliputs que Pretorius tiene en tarros de cristal), y en darle un inconcebible happy end a la historia que redimiera al "monstruo", que decide salvar al creador a costa de una auto inmolación. 

Esta secuela, quizás igual de buena que su antecesora, contiene sin embargo algunos denunciables engaños al espectador que no puedo evitar reseñar.

El primero es el título. No se trata de la novia de Frakenstein sino de la novia de la criatura (o en la jerga del film anterior, "del monstruo"). Frankenstein, Víctor Frankenstein (Colin Clive), ya tiene novia. En la película anterior y en esta. (Aunque no sea la misma actriz 😉).

Y otro maravilloso engaño publicitario es que "la novia" apenas sale unos minutos al final. 

Emo-sido-engañaos.

Por cierto, que la novia es Elsa Lanchester que también hace de Mary Shelley, al inicio del film. 

El impacto de la criatura de Karloff en la historia del cine y en la cultura popular en general tampoco deben hacernos obviar tremendas incoherencias del film: al monstruo le dan un brebaje para dormirlo. Pero luego aparece de la nada en la torre atacando a los ayudantes. Y de pronto vuelve a estar dentro del castillo, para  conocer a "su chica".

Aún con todos esos fallos o engaños o simple voluntad de estirar un éxito, la historia es amena y la fascinación por la criatura, inmortal.

Núremberg (2025)

Heil Russell Crowe

El teatrillo público de exponer a los jerarcas nazis ante sus malévolas acciones y permitir a los vencedores ajusticiarlos.

Núremberg

Nuremberg

Dirigida por James Vanderbilt.
Basada en el libro "El nazi y el psiquiatra", de Jack El-Hai.
Estados Unidos. 2025. 148 minutos.

Thriller. Drama | Drama judicial / Abogados/as. Basado en hechos reales. Nazismo. Años 40

Un joven psiquiatra militar es reclamado en Núremberg para un proyecto: evaluar a los jerarcas nazis sometidos al macrojuicio aliado. La creciente cercanía humana con ellos, en especial con el carismático Göring, le costará la carrera.

El personaje del Doctor Kelley (Rami Malek) va de menos a más. Su escena de presentación es tan simple y vista tantas veces que hasta produce pena. Sus penúltimas escenas, por el contrario, dejan con ganas de saber más de este alcohólico tipo echado a perder que intenta advertirnos, a los espectadores del presente, que los nazis no eran el diablo. Sino seres humanos corrientes. Y si bien el ecosistema de la Alemania tras la Gran Guerra propició su crecimiento, nada impide que reaparezcan en otro tiempo y en otro lugar. Porque en el fondo no se trata de ninguna ideología política sino de un simple y llano anhelo de poder. 

Russell Crowe es un fantástico y maravilloso Hermann Göring. Sí. Es tan carismático, tan roba-escenas, tan acapara-momentos como parece que fue el propio Reichsmarschall. Crowe-Göring sostiene la película, él es la grandeza, el Sol alrededor del cual pivotan los demás planetas (como el doctor, el juez Jackson) y los demás satélites nazis, eclipsados por la enormidad (y esto no es un chiste de gordos) del afable Hermann. 

La película, de esquema clásico, resulta entretenida. En parte porque cumple todo lo que anticipa y porque, en un claro interés por la simplicidad, elude personajes y situaciones complejas o que pudieran resultar contradictorias. Hubo muchos más jerarcas nazis juzgados de Núremberg: militares y políticos. Y otros muchos "buenos alemanes" que apoyaron, financiaron o se beneficiaron del régimen nazi a costa de la vida de millones de personas. Si en los verdaderos juicios de Núremberg algunos de esos nazis fueron absueltos y otros ni siquiera llegaron a ser encausados (nunca conviene molestar a los empresarios, por muy nazis que sean), menos vendrá esta película a meterse en esos jardines. 

Hay momentos cómicos en la película. Algunos algo incómodos y otros pueriles (toda la aventura de Rudolf Hess). Y muchas escenas están compuestas solo para explicarle al espectador cosas que los personajes ya deberían saber (el juez Jackson queda en las ruinas del estadio de Núremberg para contarle qué fueron las leyes raciales de Núremberg al doctor, que ha estudiado a Göring en profundidad y que -cita textual- "lo conozco mejor que nadie"). 

La simpatía que despierta el Göring de la película también puede llegar a resultar incómoda, no porque el verdadero Göring no fuera "el nazi simpático" sino porque el film podría, por momentos, hasta parecer laudatorio.

El pérfido, cobarde, vulgar y antisemita personaje de Julius Streicher está ahí solo para que el de Göring parezca noble, elegante y educado. ¡Y porque algún malo debe ser colgado al final!

La  película mezcla imágenes reales con ficciones. Sale regular de esa aventura y en un momento concreto roza el ridículo. Cuando aparece un falso Adolf Hitler en una escena de transición que nada aporta y para nada sirve. 

Jennie (1948)

El arte de captar lo eterno

Un pintor vive una ensoñación y el amor le da vida.

Jennie

Portrait of Jennie

Dirigida por William Dieterle.

Estados Unidos. 1948. 86 minutos.

Drama. Romance. Fantástico | Drama romántico. Pintura. 

Años 30, New York. Un pintor pobre logra malvender un esbozo. En el gélido y brumoso Central Park conoce a una chiquilla que parece surgir de otra época, y se produce un encantamiento romántico más allá del tiempo.

¿Qué edad tendrá ese pintor interpretado por Joseph Cotten? ¿Treinta? ¿Cuarenta? Eso es importante para captar que si Jennie (Jennifer Jones) nace a inicios de siglo, a final de la historia tendrá unos treinta y tantos. Es decir, en el último encuentro tendrán edades parecidas. 

Mientras que él va una velocidad, ella avanza a acelerones; ella "crece a saltos" entre los encuentros. Porque es un fantasma, ¿quizá? Porque él se la imagina ¿solo para tener un objetivo para pintar? Como apunta la señora de la tienda de cuadros (Ethel Barrymore). 

Y aunque nadie más parece ver a Jennie, el chal es la prueba física que existe. (O que existió o que existirá 😛).

Y la monja (Lilian Gish) la conoció. Y una monja no va a mentirnos, ¿no?

¿Qué es más fantasmal el cuadro o la modelo?

Una película que arranca con una cita de Eurípides y otra de Keats no es apta para cualquiera. Por eso, más que buscarle una explicación psicoanalítica o lógica a toda esta ensoñación, es mejor dejarse llevar.

El director William Dieterle siempre reconoció que Jennie (basada en una novela de Robert Nathan) era un proyecto del productor David O. Selznick, que parece que se empeñó tanto en la película que tuvo que cerrar su productora luego. No fue el último final... el maravilloso director de fotografía Joseph H. August padeció un mortal ataque al corazón en el mismo set de la película. Parece que fue a ver a Selznick, se sentó en su despacho y le dijo "Ya hemos acabado" (la película, se entiende). Y falleció ahí mismo.

August realizó un trabajo fascinante en Jennie, con una luz de encantamiento y una atmósfera que de tan romántica casi es fantasmal. 

Para nada realista, claro. 

Como el arranque el film en que nos metemos en lo que parece un cuadro de Monet (porque vemos el mundo a través del pintor protagonista) o ese final que se "colorea" con la tormenta y cierra en color (como hizo unos años antes El retrato de Dorian Gray).

Jennie es una película de cuando la películas NO pretendían ser realistas. De cuando a una estrella se la iluminaba desde diversos puntos, ajenos todos a los "focos" lógicos de una ventana o de una lámpara. Donde las transparencias de los fondos buscan la ensoñación, la magia de un cuento, lo irreal. 

Si llegamos a Jennie buscando verdad, nos echará su etérea fantasmagoría. Hay que adentrarse en la bruma como quien avanza por un sueño, sabiendo que está soñando.

El demonio de las armas (1950)

El revolver y la pólvora

Una pareja de amantes forajidos en huida hacia la nada.

El demonio de las armas

Gun Crazy / Deadly Is the Female

Dirigida por Joseph H. Lewis.
Estados Unidos. 1950. 87 minutos.

Cine negro. Drama | Crimen. Robos & Atracos. Melodrama. Serie B. 

Bart es un muchacho fascinado por las armas. Su obsesión lo ha llevado a un reformatorio y a la Armada. En una feria conoce a Annie Laurie Starr una seductora pistolera. Juntos inician una relación apasionadamente criminal.

Annie (Peggy Cummins) es una femme fatale con su corazoncito. Su personaje se define a sí mismo cuando dice: "Me han tratado a patadas toda la vida. Y de ahora en adelante voy a empezar a dar patadas yo."

Annie ordena y manipula a su marido Bart (John Dalle), un tipo cuya atracción fetichista por las armas se encarna en Annie. También ella acabará unida a él y su amor recíproco, sellará sus destinos. Son el revolver y la pólvora.

El destino de esa relación, viviendo peligrosamente por encima de sus posibilidades, ya se nos preludia en las escenas de los dos escaparates: En la joyería cuando compran el anillo de boda y, dos escenas bucólicas después, ante el escaparate de la tienda de empeños. 

El anillo viene y el anillo se va

No serán éstos los únicos escaparates o ventanas importantes en la película. Ya iniciamos en uno, en la pedrada al cristal de la tienda de armas. O en la mirada hacia el gélido exterior nevado de la cabaña. Un mundo hostil ante el que la pareja solo se tiene a sí misma.

Bien podría ser la Dietrich en una peli de Sternberg

Sin ser la primera película que aborda el tema de la pareja de criminales sí es uno de los más importantes puntos de partida para ese subgénero. De aquí beben el Bonnie & Clyde o mucho del cine de Tarantino.

Imitada muchas veces es el plano-secuencia del atraco con la cámara (el espectador) metida dentro del coche. Incluso cuando ellos salen, el espectador se queda dentro. Somos cómplices y partícipes en las fechorías de esta pareja de forajidos.

Basada en un relato de MacKinlay Kantor (el autor de Los mejores años de nuestra vida) esta road movie de matrimonio criminal contó con Dalton Trumbo en el guion (no acreditado en su momento por estar en la lista negra). Un historia de delincuentes marcada por la censura de la época que más allá de ofrecer un esperado final trágico para los malvados, no puede disimular el erotismo de la atracción por las armas y la pasión desmedida de una pareja que si no está en acción (huyendo, disparando o dilapidando el dinero robado) no puede coexistir. Una llameante historia de amor. De amour fou.

Tres camaradas (1938)

"Cuando oscurece se necesita a alguien"

Tres camaradas (más una chica) con ansias de vivir en la Alemania tras la Gran Guerra.

Tres camaradas

Three Comrades

Dirigida por Frank Borzage.
Novela: Erich Maria Remarque. Guion: F. Scott Fitzgerald
Estados Unidos. 1938. 100 minutos.

Drama | Años 20. Posguerra. Amistad.

Acabada la Gran Guerra tres soldados que han sobrevivido brindan por la vida. Una mujer aparece para convertirse en la cuarta camarada. Pero sabemos que las cosas no irán demasiado bien.

Franchot Tone, Robert Taylor, Margaret Sullavan y Robert Young

Lo sabemos porque vivimos en el futuro. Porque sabemos que tras la Gran Guerra, que ahora se llama "la Primera", vendrá otra y todo se pondrá mucho peor. 

La historia se ambientaba en 1928 y para no molestar a nadie se retrasó la acción hasta el 1920. Cuando se estrena la película aún no se había declarado la guerra, pero la tragedia ya se anticipaba como las sangrientas toses de un tuberculoso preludian su final. En la historia, que sucede alrededor de los protagonistas, pronto vemos a unos grupos que desfilan, rompen escaparates, disparan en manifestaciones y nunca nadie dice la palabra que los define y que ustedes están pensando. Ya sabemos, ¿no?

Tone, Young y Taylor tres taxista en paro

Los 3 mosqueteros en realidad eran 4. Y aquí los tres camaradas (Robert Taylor, Franchot Tone y Robert Young) son cuatro con Margaret Sullavan. La hermandad masculina surgida en las trincheras no se resquebraja con la presencia de la chica. Aquí jamás hay un atisbo de duda sobre cuál de ellos está con la chica. Los otros dos ceden, callan y se alejan. 

Quizás queramos ver en las miradas de Margaret Sullavan hacia Franchot Tone una complicidad más profunda. Ellos dos se hacen confidencias mientras que el novio oficial (Robert Taylor) se entera de todo tarde y mal. Pero esa mirada la vemos nosotros, que espoleados por el melodrama queremos ver líneas de puntos de triángulos invisibles. Nada se dice en la película y Franchot Tone ejerce de sacrificado hermano mayor.

Lo que tampoco se dice jamás, pero no hace falta, porque lo vemos todos es a qué se dedica el personaje de Margaret Sullavan. ¿Qué hace la chica en el coche de ese burgués alemán ansioso de levantar el brazo? El oficio más antiguo del mundo (y no es el de panadero). 

Levantando el brazo (de momento solo con la copita)

A Scott Fitzgerald le ofrecieron la posibilidad de adaptar la novela de Remarque. Fitzgerald que ya había publicado sus grandes novelas y estaba empeñado en triunfar como guionista la historia parecía serle propicia. También él era un joven de origen humilde unido a una muchacha rica que vegetaba en un sanatorio. También él necesitaba reunir dinero para pagar gastos médicos.

Pero el resultado no le gustó. Quizá topó con el productor, J.L. Mankiewicz (un productor cuyo nombre es el último nombre que aparece en los títulos iniciales de la película. Después del director, ojo).

¿Aló? ¿Recuerdos del cine mudo?

Hoy no importa mucho quién escribió qué línea o qué escena. La película contiene  la fatalidad de la prosa de Fitzgerald y esa amarga esperanza preñada de sombras de Remarque. Y todo el melodrama del cineasta Frank Borzage con la fatalidad del romance entre los amantes y sus atípicas bodas. 

El color púrpura (1985)

"Eres mujer, negra, pobre y fea"

Un sinfín de penalidades, humillaciones y amarguras, salpicadas con momentos de comedia bufonesca de caídas y mamporros.

El color púrpura

The Color Purple

Dirigida por Steven Spielberg.
Basado en la novela de Alice Walker
Estados Unidos. 1985. 185 minutos.

Drama | Melodrama. Racismo. Años 1900 (circa). Años 20

Celie, una chica de 14 años que ha tenido ya dos hijos con su propio padre, es ofrecida en matrimonio a un viudo con hijos que la maltrata y la aleja del único vinculo que tiene, su hermana Netty. 

Celie aprende a leer con un libro de Charles Dickens, "Oliver Twist". No es un libro al azar. Como Oliver (y buena parte de los protagonistas infantiles de Dickens) Celie las pasa canutas. Pero a diferencia de Oliver, Celie se mantiene callada y quieta en su rincón durante muchos, muchos, demasiados años hasta que, como les pasa a menudo a los personajes de Dickens, un golpe de suerte le cambia la vida.

La película tiene un reparto que eran ya, o iban a ser en breve, nombres conocidos. Aquí debuta Whoopi Goldberg. Aquí aparece Danny Glover (en el personaje más odioso de su carrera) y un joven Laurence Fishburne. Y aquí está la reina del magazín televisivo de América: Oprah Winfrey (Como Sofia).

Hay una fea manía en los humanos de alegrarse de la desgracia ajena. A Steven Spielberg, el Rey Midas de su época, llenador de salas y mano detrás de muchos blockbusters, le dio por quitarse la gorra de beisbol y ponerse el traje de cineasta serio. E hizo este melodrama, por momentos lacrimógeno (y por momentos pura bufonada) que fue reconocido con 11 nominaciones a los premios Oscars. Pero no le se llevó ninguno. 

Y salieron un montón de setas a reírse de lo que consideraban un fracaso. La envidia es cosa mala, amigos.

Y la película no es mala como dicen.

El retrato de Dorian Gray (1945)

El brillante Wilde y el terrorífico Dorian Gray

Dorian permanece joven y bello mientras su retrato va mostrando los efectos de sus vicios y maldades.

El retrato de Dorian Gray

The Picture of Dorian Gray

Dirigida por Albert Lewin.
Novela: Oscar Wilde
Estados Unidos. 1945. 110 minutos.

Drama. Thriller | Siglo XIX. Pintura

Siento que no hace falta una sinopsis porque el lector llegado hasta aquí ya conocerá la historia.

Esta atípica película de los estudios MGM parece más una de esas adaptaciones de terror literario propio de los entrañables estudios RKO. Hay mucho de vampiro, de E. Allan Poe, o hasta del Londres brumoso de Jack "el destripador".

Para compensar tanta sombra y tanta lampara bamboleante, tenemos a George Sanders haciendo de (una versión aún más dandy que el propio) Oscar Wilde. La verborrea ingeniosa de Sanders puede llegar a asfixiarnos. Todo cuanto dice son epitafios lapidarios. Cada puñetera frase destila el ingenio chispeante de Wilde.

Los decorados merecen un apunte. Los interiores de las casas están recargados de objetos que se perpetúan a lo largo de la historia (como la figura del gato).  La escalera y la disposición de la habitación cerrada (donde Dorian esconde el cuadro) están tan pensadas que podemos ver, a través de marcos de puertas o huecos, lo que importa: la habitación de los secretos. 

Estos juegos arquitectónicos se subrayan con la geometría triangular de los personajes y sus ambiguas relaciones entre ellos.

Si el cineasta Albert Lewin, en 1945, no podía ser claro y diáfano sobre los soterrados afectos entre los hombres aquí presentes, menos claro podía, y sin embargo era, Oscar Wilde en su novela original. 

La película se toma algunas licencias narrativas destinadas a subrayar esos triángulos, en que cada personaje parece debatirse internamente entre dos personajes más, como los personajes femeninos. 

La sobrinita que estampa su nombre en el cuadro (para que no tengamos dudas que el cuadro que se irá transformando es siempre el mismo) es una reelaboración de varios personajes en la novela. Y de adulta será interpretada por Donna Reed.

Y Angela Lansbury será "vampirizada" por Dorian Gray (Hurd Hatfield) de forma diferente a como Oscar Wilde escribió.

En todo caso El retrato de Dorian Gray me parece una película muy fiel a la atmósfera fáustica de la novela y eso tiene más mérito que la fidelidad literaria. 

La fotografía, de un expresionista blanco y negro de Harry Stradling Sr., es salpicada en concretos momentos por un apabullante color. Porque aquí el blanco y negro es "lo cuotidiano" y el color es lo ominoso y lo horrible.

Con la muerte en los talones (1959)

Un proto James Bond

Un tipo es tomado por error por un agente de la CIA y debe huir de la policía y de los malvados.

Con la muerte en los talones

North by Northwest

Dirigida por Alfred Hitchcock.
Estados Unidos. 1959. 136 minutos.

Intriga | Espionaje. Película de culto

Un publicista de NY, con varios divorcios y una madre, es tomado por George Kaplan, un inexistente agente de la CIA. Tras escapar de un intento de asesinato, vuelve a la casa donde le retuvieron con la policía (y su incrédula madre). Nadie le cree. El tipo, empeñado a encontrar al tal Kaplan, es acusado de un asesinado en la ONU y a partir de entonces es perseguido por la ley y por los malvados. En un tren, una atractiva muchacha parece querer ayudarlo.

Divertida historia de itinerantes aventuras. Con las hitchckonianas ideas del falso culpable, las chicas rubias y las madres apegadas. Aquí, la actriz que hacía de madre de Cary Grant, apenas era unos años mayor que él. Pero, qué importa. 

Uno aparca pronto toda lógica argumental y se deja llevar por las episódicas aventuras de un siempre elegante Cary Grant que parece haber crecido dentro de esos trajes.

La inolvidable secuencia de la avioneta escapa a toda lógica si uno se detiene a pensarla. ¿Si quieres deshacerte de alguien no sería esa la forma más rocambolesca  y absurda de hacerlo? Seguramente sí, pero qué importa.

Tampoco importan demasiado los secretos de estado que oculta el malvado James Mason. El macguffin le importarán a ellos, pero no al espectador. Sí nos importan las vibraciones de tensión latente que se perciben en este triángulo (amoroso)

Otra secuencia para la posteridad es la subasta. Propia de los hermanos Marx. Qué maravillosa combinación de humor surrealista y a la vez de suspense latente. ¿Cómo escapará Cary Grant de allí? nos preguntamos.

Toda la secuencia del tren, en el vagón restaurante o en el coche-cama, con Eva Marie Saint es un chispeante juego de doble sentidos, erótico-sexuales, marcados con tanta elegancia que el mayor humor reside en el hecho que incluso la censura no logró atajarlos todos. "Si van a estar en la misma litera, que estén casados". Y Hitchcock: "pos vale, pero acabamos con un tren "entrando" en un túnel".

Y que el que quiera entender, que entienda :p

El mundo de George Apley (1947)

Boston: el centro del mundo

A George Apley le agrada la tradición y que las cosas sigan igual. A sus hijos ya no.

El mundo de George Apley

The Late George Apley

Dirigida por Joseph L. Mankiewicz.
Estados Unidos. 1947. 93 minutos.

Comedia | Familia. Años 1910-1919

George Apley, de los Apley de Boston, es un señor de la alta sociedad bostoniana. Le agrada que las cosas estén en su sitio, que las tradiciones se respeten y que las rutinas sigan. ¿Para qué cambiar nada?

"El martes tenemos el Club de los Martes"

Ronald Colman alcanza la perfección en su interpretación de George Apley. Un tipo refinado, elegante, cuyas citas de Emerson hacen huir a todos, desde su esposa e hijos hasta a sus criados. 

Huir o intentar escapar será uno de los gags recurrentes de los personajes de esta película. Aquí todos intentan, elegantemente, escaparse de alguien. Porque todos están atrapados por las circunstancias (o sus propias cobardías) en esos salones enmoquetados y por decoro al qué dirán, no se atreven a moverse.

Basada en un obra de John M. Marquand y con guion de Philip Dunne y George S. Kaufman, en la película se nota -y de qué manera-, la mano del mayor cineasta-literato del cine clásico: Joseph L. Mankiewicz.

El cine de Mankiewicz es para verlo y para escucharlo. Sus películas están plagada de replicas chispeantes y diálogos con doble o triple sentido. Nunca hay personajes charlando para no decir nada. En sus guiones todos dicen algo, a menudo queriendo decir otra cosa, y -de paso-, el espectador atento puede llegar a entender una tercera. Ricas capas superpuestas como los pisos de una tarta.

"Como dijo Emerson..."

George Apley no es un personaje inamovible. Él escucha y reacciona a su entorno y a la modernidad (esconde el libro de Freud para leerlo). Simplemente, como buen bostoniano, si no se mueve es porque considera que no vale la pena. ¿Dónde podría estar mejor que en Boston, en su barrio, en su casa?

La casa es el escenario principal de la película y no es un personaje más, sino una prolongación del propio George Apley. Acceder a ella, es adentrarnos en el personaje. Subir al piso de arriba y llegar hasta la alcoba es introducirnos a un grado de intimidad con George Apley. 

"Llevamos 20 años sentados en los mismos sillones"

Toda la subtrama del panteón familiar, y los que deben descansar allí y en qué grado de proximidad o lejanía deben reposar sus restos, es una desternillante y chistosa visión ácida de las costuras internas por las que están cosidas estás familias.

"Mi madre en lugar de podar la planta de interior, hizo subir el techo de la habitación"